PAUL KLEE - Senecio
Paul Klee (1879 – 1940) es uno de los pintores de origen suizo más representativos de toda la historia del arte y uno de los artistas vanguardistas más destacados de su tiempo. Klee comenzó sus pasos en el mundo del arte estudiando a los clásicos en la ciudad de Berna, posteriormente se trasladó a la Academia de Múnich donde se puede apreciar la influencia del estilo modernista en sus composiciones. A lo largo de su carrera artística, el pintor fluctuó entre los diversos movimientos o corrientes artísticas, de esta manera podemos encontrar cuadros en los que el pintor se decanta por el surrealismo, otros con influencia expresionista, cubistas, el constructivismo geométrico de la Bauhaus y otras pinturas con influencia de la abstracción.
Voy a comentar la obra titulada Senecio (también conocida como Cabeza de un hombre que se vuelve senil) y que es una famosa pintura al óleo sobre gasa del artista suizo-alemán Paul Klee, creada en el año 1922. Actualmente, la obra forma parte de la colección del Kunstmuseum Basel en Basilea, Suiza.
El cuadro destaca por manifestar el característico juego de Klee entre las formas geométricas puras y la figuración humana.
El rostro se simplifica en un gran disco blanco y amarillo, dividido por líneas sutiles que forman rectángulos y cuadrados de tonos cálidos (naranjas, rojos y amarillos).
El nombre Senecio proviene del latín senex, que significa "anciano" o "senil". Se interpreta como un retrato de la vejez y una reflexión sobre el paso del tiempo. Sin embargo, también coincide con el nombre de un género de plantas de cabezas redondas y evoca los patrones geométricos de las máscaras tradicionales africanas o los trajes de arlequín del teatro.
E El fondo exterior: Está cubierto por una masa plana y homogénea de color amarillo-anaranjado cálido.
El interior del rostro: Aunque mantiene la misma gama cálida para lograr armonía, Klee introduce parches rectangulares más claros (tonos rosados, blancos, ocres pálidos y amarillos suaves).
Al colocar estos bloques de color fragmentados, más claros y pasteles dentro del círculo, Klee logra que el rostro parezca irradiar luz propia desde el interior o, como señalan algunos críticos, da la impresión de que el personaje está emergiendo o mimetizándose con ese fondo naranja brillante. El contraste no es de temperatura (cálido contra frío), sino de saturación y luminosidad (un fondo saturado y plano contra un rostro modulado y más claro).
La boca está formada por unos trozos cuadrados y el cuello por unos rectangulares, que aparentemente rompen la forma circular del rostro y los ojos. La respuesta es que sí, rompen deliberadamente la redondez del rostro, y lo hacen por dos razones fundamentales: el equilibrio dinámico y la transición física de la figura.
En sus diarios y en sus clases de la Bauhaus, Klee repetía que el arte estático y perfectamente simétrico estaba "muerto". Para él, la belleza nacía de las fuerzas en conflicto.
Los rectángulos y cuadrados en la boca y el cuello cumplen funciones muy específicas:
El
cuello: El
rostro es una circunferencia perfecta flotando en un espacio plano.
Si Klee hubiera pintado un cuello curvo o naturalista, la cabeza
daría la impresión de estar flotando sin peso, como un globo
suelto.
Al colocar una
columna
rígida de pequeños rectángulos rojos, blancos y violetas
justo
debajo de la barbilla, Klee crea una especie de pedestal
arquitectónico. Es un bloque ortogonal (de líneas rectas) que actúa
como un ancla visual pesada, conectando esa cabeza circular con la
base del cuadro y los hombros.
La
boca. Los
ojos, son círculos concéntricos muy orgánicos. Si Klee hubiera
dibujado una boca arqueada (una línea curva hacia arriba para una
sonrisa o hacia abajo para la tristeza), el cuadro habría caído
inmediatamente en la estética de una "carita sonriente" o
una caricatura infantil simplista.
Al fragmentar la boca en
cuatro
pequeños cuadriláteros,
Klee destruye cualquier rastro de expresión obvia. Logra que la boca
sea un elemento abstracto y misterioso: no sabemos si son dientes, si
es una mueca rígida o si es la costura de una máscara. Esto le da
al personaje su famosa expresión ambigua, a la vez cómica y
dramática.
De acuerdo con críticos e historiadores del arte, Klee buscaba una asimetría y un balance dinámico. Si todo en el lienzo fuera redondo, el ojo del espectador se deslizaría por la pintura sin detenerse.
Klee introduce tensiones geométricas en todo el retrato para obligar al ojo a trabajar: En los ojos: la ceja izquierda es una curva, pero la ceja derecha es un triángulo afilado.
Esta confrontación entre lo curvo y lo recto es lo que hace que "Senecio" no sea un simple dibujo plano, sino una composición vibrante donde las figuras geométricas parecen estar "luchando" u ordenándose ante nuestros ojos.
Ese triángulo afilado colocado justo encima del ojo (su ceja izquierda en el lienzo) cumple dos funciones espectaculares que transforman por completo la psicología del cuadro: En la pintura, la ceja del ojo izquierdo es un arco curvo y suave. En cambio, sobre el otro ojo, Klee planta un triángulo cuya punta señala hacia arriba. Esta diferencia geométrica genera una ilusión óptica genial: da la falsa impresión cinematográfica de que el personaje está arqueando o levantando una ceja.
Al romper la simetría perfecta del rostro, Klee inyecta dinamismo y vida. Una cara 100% simétrica habría parecido una máscara inerte o un maniquí; esta sutil distorsión dota a "Senecio" de una expresión de escepticismo, ironía, sorpresa o curiosidad. El espectador siente que el personaje lo está evaluando activamente con la mirada.
A nivel puramente formal y compositivo, el triángulo es el puente intermedio ideal entre los bloques rectangulares (boca y cuello) y las líneas curvas (el contorno de la cabeza y los ojos). Funciona como un pivote geométrico. Si se traza una línea visual desde los círculos de los ojos hacia la mandíbula recta, el triángulo sirve de transición natural. Al apuntar hacia arriba, rompe el movimiento circular que el ojo del espectador hace al recorrer el contorno de la cabeza, obligándonos a fijar la atención en la mitad superior del rostro. Es, en definitiva, el toque maestro de la pintura: usar una forma afilada y rígida (un triángulo) para lograr el efecto más humano, flexible y psicológico de todos: gesticular.
Senecio (1922) no provocó un cambio drástico e inmediato en la historia de la pintura por sí sola, pero sí consolidó una transformación clave en la obra de Paul Klee y simbolizó el rumbo del arte moderno hacia la abstracción geométrica y el uso libre del color.
La pintura en la carrera de Klee y en su entorno de la escuela Bauhaus experimentó evoluciones importantes a partir de esta obra:
Tras pintar Senecio, Klee profundizó en sus teorías sobre las líneas y el color en la Bauhaus, transitando de figuras identificables a un misticismo más abstracto y matemático en obras posteriores como Castillo y Sol (1928) o Ad Parnassum (1932).
Uso emocional del color: La mezcla de parches geométricos de color plano sobre un fondo neutro demostró que el color podía sostener la estructura y transmitir estados psicológicos por sí mismo.
La línea en movimiento: Klee reforzó su famoso principio de "sacar a pasear una línea", reduciendo los rasgos humanos a su más mínima expresión geométrica (un círculo, cuadrados, dos triángulos), influyendo directamente en el posterior constructivismo y en el surrealismo.
La máscara como identidad: El concepto de usar la pintura como una máscara para jugar con la identidad y el teatro (muy presente en Senecio) se convirtió en un recurso recurrente en las vanguardias de las décadas siguientes para explorar el subconsciente humano.
