KANDINSKY, UNO DE LOS CREADOREES DE LA ABSTRACIÓN

Wassily Kandinsky establece las bases de La ABSTRACCIÓN LÍRICA O INFORMALISMO. Pero estas bases no se establecen de una manera rápida. Hay todo un proceso, un recorrido desde el expresionismo hasta sus últimos cuadros totalmente abstractos.

 Entre 1908 y 1909 Kandinsky pinta en Murnau paisajes en los que el tema poco a poco va perdiendo importancia ante el protagonismo del color fuerte, libre, intenso e irreal, que le sirve para trasmitir su ser más íntimo. Todavía es un expresionista.

 Pero cuando ve uno de sus cuadros al revés se convence de que el cuadro debe ser precisamente una relación de formas coloreadas y dibujadas,  que como tales tienen una existencia independiente y que procede de la necesidad interior del artista.  Va independizando la forma y el color de sus contenidos descriptivos, haciendo desaparecer los objetos.

Esta es su primera acuarela abstracta, obra de 1910. Sobre un espacio imaginario flotan y se mueven formas abstractas coloreadas en las que no se encuentran referencias miméticas. La fluidez de las manchas de color y el gesto nervioso de la línea configuran un espacio de gran dinamismo. 

Pero Kandinsky era consciente del peligro que suponía la independización del color y la forma vaciándolos de contenido pues se corría el peligro de crear obras cuyo aspecto sería similar al de la ornamentación geométrica como una corbata o una alfombra. La belleza del color y la forma no es meta suficiente para el arte. Para contrarrestar este riesgo intenta crear formas cuyo efecto sobre el espectador se basara en el recuerdo de modelos figurativos.

Cuadro con arco negro es un ejemplo de estas ideas. La dramática composición está compuesta por tres núcleos cromáticos contrapuestos. El rojo bermellón que apunta hacia el centro. La silueta azul atravesada por violentas líneas negras y manchas que van desde el blanco amarillento hasta el rojo anaranjado. Sobre ambas destaca una forma de color rojo violáceo.  Mientras que las formas azul y roja se encuentran ancladas en el inferior del cuadro, el elemento superior parece flotar como un astro en el espacio, flanqueado por otras formas cromáticas menores. El violeta, color compuesto por rojo y azul, parece como si quisiera recoger los tensos contrastes.  Al mismo tiempo la línea se independiza también de las servidumbres de la forma y el color y empieza a moverse libremente por la superficie del cuadro.

 Y si en estos años todavía hay contornos negros que delimitan zonas de color, éstos irán perdiendo  importancia y aquél la irá ganando. Lo que el espectador experimenta bajo el efecto de los colores y las formas es el verdadero contenido de la obra.

 Ya claramente hacia 1912 crea planos pictóricos por confrontación de colores y evita hacer un núcleo central  distribuyendo por la tela los puntos de tensión, huyendo del decorativismo, y creando paisajes de colores.

La idea central de la teoría de la abstracción de Kandinsky es que existe algo  denominado “necesidad interna” que es capaz de determinar la forma exterior de una obra de arte sin referirse a nada ajeno. La tarea del artista consistirá, en primer lugar,  en establecer este “sonido interior” sin perder el contacto con él y, a continuación, en buscar y trasladar a una tela su equivalente visual en forma y color.

 Esto es lo que sucede en Pintura con el centro verde, que aunque algunas pinceladas o manchas pueda parecer que aluden a objetos naturales (un trazo azul puede parecer que aluda al cielo o que cierta configuración de pinceladas se asemejen a un hombre o a un pez), eso no forma parte de la intención del pintor. En este cuadro todo se mueve en círculo alrededor de un verde central dominante que se sostiene (se estabiliza) con el grueso trazo, parecido a un velo, del rojo complementario que corta el cuadro por el tercio derecho. El resto de las formas y las pinceladas parecen estar en movimiento.

En Mancha roja II (1921) Kandinsky presenta una superficie de  tono claro situada diagonalmente dentro del cuadro, que recuerda al “elemento distintivo” de los suprematistas, el trapecio monocromo. Sin embargo Kandinsky corta los ángulos del  trapecio  con los lados del cuadro mismo, creando así una cierta tensión. Las esquinas libres se rellenan con imágenes nebulosas. En la esquina superior izquierda flotan dos formas lanceoladas blancas atravesadas por dos lanzas, las zonas de corte están señaladas con negro. La composición del cuadro se desarrolla sobre esa dinámica superficie: la mancha roja es el centro vital, alrededor del cual se agrupan el resto de las formas. Un gancho multicolor, dividido en varias partes,  enmarca la mancha aislándola de la parte superior. Dos cuernos afilados, que se dirigen en dirección contraria hacia la mancha, aparecen atravesados por diferentes formas curvas y lanceoladas.  Bajo el gran cuerno amarillo aparece un círculo negro. El círculo, un elemento nuevo en el vocabulario analítico de Kandinsky, aparece por primera vez en algunas variantes, convirtiéndose más tarde en la figura dominante. Mediante el diferente tamaño y posición de los círculos se crea una estructura espacial indefinible, quizá una simbolización de la enigmática cuarta dimensión (la penetración de espacio y tiempo) que aspiraban a conseguir  muchos artistas modernos. Directamente al lado del gancho y la mancha vemos algunas pequeñas formas rodeadas por un arco en forma de herradura. Frente a las formas  principales, éstas parecen más graciosas y delicadas, casi como un eco frágil del tema fundamental. Un irregular cuadrado amarillo enlaza estos dos grupos de formas grandes y pequeñas.

Mediante la superposición y penetración de las formas se crea una tensión espacial que mantiene la composición como suspendida en el vacío. Kandinsky experimentó posteriormente con la relación de alternancia entre formas y colores básicos, algo que ya se intuye en esta obra. La tensión creada no solo afecta a las formas y las superficies, sino también a los colores. Mientras que el amarillo se corresponde con las formas apuntadas, el rojo se reserva para la masiva mancha roja. Las tonalidades de azul se aplican en formas de pequeño tamaño, pero no constituyen ningún contrapunto.

Mancha Roja II no produce una sensación de intranquilidad o disonancia. La estructura caprichosa transmite una situación sensitiva, sosegada y serena, similar a la de un coro sinfónico; la mancha roja sería el tono mayor del cuadro. Vista en conjunto la pintura da la impresión de algo cósmico, elemental. Otro punto de acercamiento a sus contemporáneos rusos Malevitsch y Lissitzky, que experimentaban con una ordenación centrífuga de los elementos  geométricos básicos. Lo que distingue a Kandinsky es su inconfundible lenguaje formal y cromático, la multiplicidad de las alternancias, su carácter expresivo, el espacio pictórico atmosférico y sus fantásticas formas ornamentales y jeroglíficas que desarrollará por completo en la última fase.

 

"Composition VIII", 1923 Composición VIII" de 1923 ( 640 x 442 / 53 k / jpeg )

The viewer receives quite a shock in moving from the apocalyptic emotion of Composition VII to the geometrical rhythm of Composition VIII. Composición VIII refleja la influencia del suprematismo y el constructivismo absorbida por Kandinsky, mientras estuvo en Rusia antes de su regreso a Alemania para enseñar en la Bauhaus. Here, Kandinsky has moved from color to form as the dominating compositional element. Aquí, Kandinsky se ha movido desde el color hasta la forma como el elemento que domina la composición. Contrasting forms now provide the dynamic balance of the work; the large circle in the upper left plays against the network of precise lines in the right portion of the canvas. Formas contrastantes ahora proporcionan el equilibrio dinámico de la obra, el gran círculo en la parte superior izquierda juega en contra de la red de líneas precisas en la parte derecha del lienzo. Note also how Kandinsky uses different colors within the forms to energize their geometry: a yellow circle with blue halo versus blue circle with yellow halo; a right angle filled with blue and an acute angle colored pink. Tengase en cuenta también cómo Kandinsky utiliza diferentes colores dentro de las formas de energizar su geometría: un círculo amarillo con halo azul frente a un círculo azul con halo amarillo; un ángulo recto lleno de azul y un ángulo agudo de color rosa. The background also works to enhance the dynamism of the composition. El fondo también trabaja para mejorar el dinamismo de la composición. The design does not appear as a geometrical exercise on a flat plane, but seems to be taking place in an undefined space. El diseño no aparece como un ejercicio de geometría en un plano, pero parece ser que tienen lugar en un espacio indefinido. The layered background colors - light blue at bottom, light yellow at top and white in the middle - define this depth. Los colores de fondo en capas - color azul claro en la parte inferior, de color amarillo claro en la parte superior y blanco en el centro - definir esta profundidad. The forms tend to recede and advance within this depth, creating a dynamic, push-pull effect. Las formas tienden a retroceder y avanzar dentro de esta profundidad, creando un efecto dinámico, de vaivén.

         Todo lo dicho es una breve secuencia del camino seguido por Kandinsky en su evolución desde el Expresionismo Lírico de sus comienzos hasta diversas formas de abstracción.